Determinar quiénes son los directores más grandes de todos los tiempos es una pregunta mucho más desafiante de abordar de lo que uno podría suponer inicialmente. ¿Son aquellos que sentaron las bases tempranas del cine con su trabajo pionero? ¿Son aquellos que han logrado los avances más notables en el arte cinematográfico? ¿O podrían ser aquellos directores cuyas contribuciones son conocimiento esencial para cada cineasta y guionista?
Desde la era del cine mudo hasta el cine contemporáneo del siglo XXI, se han creado muchas de las obras maestras cinematográficas más esenciales, películas que son el epítome del cine.
La elevación del estatus de Jean Renoir en el mundo de habla inglesa, especialmente durante la década de 1990, se debe en gran medida al influyente crítico de cine británico David Thomson.
Thomson afirmó audazmente que Renoir era el director de cine más grande de la historia, una declaración que aumentó significativamente el reconocimiento de Renoir. Aunque Renoir ya tenía una reputación elevada, especialmente en su país natal, Francia, Thomson desempeñó un papel crucial al presentarlo a una generación más joven, que finalmente estuvo de acuerdo con su evaluación de este maestro del cine francés.
La filmografía de Renoir cuenta con obras destacadas como:
Sin embargo, incluso estas creaciones excepcionales palidecen en comparación con el par de obras maestras cinematográficas que representan el pináculo del logro de un solo cineasta: «La Grande Illusion» (1937) y «La règle du jeu» (1939).
En esencia, estas dos películas reflexionan simultáneamente sobre la Primera Guerra Mundial y anticipan la inminente Segunda Guerra Mundial, capturando el espíritu de la época al borde de un conflicto global.
La reciente partida de Jean-Luc Godard sirvió como un recordatorio conmovedor de su papel central y verdaderamente innovador en el mundo del cine, especialmente para los entusiastas del cine del siglo XXI.
Martin Scorsese se refirió famosamente a «À bout de souffle» (1960) como «el eje de la historia del cine», representando simbólicamente el momento crucial en que el cine hizo la transición del convencional rodaje en estudio del pasado al rodaje en la calle considerablemente más rápido y audaz que seguiría.
«À bout de souffle» es una de las películas debut más notables en la historia del cine, similar al impacto revolucionario de «The Velvet Underground and Nico» en el ámbito de la música pop.
Sin embargo, muchas de las películas que le siguieron también fueron igualmente inventivas y cinematográficamente únicas, estableciendo firmemente su identidad como películas en lugar de adaptaciones de obras teatrales o libros:
La asociación de Bergman con Fellini fue un tema recurrente, no solo a los ojos de Woody Allen, sino también en la evaluación de casi todos los eruditos serios del cine de la posguerra.
Esta conexión surgió precisamente porque, en la superficie, parecían tan diferentes: Fellini, el afectuoso y sensual cineasta italiano, contrastaba fuertemente con Bergman y sus películas, caracterizadas por su análisis austero y aparentemente sin emociones.
Sin embargo, al igual que había una mente racional y analítica en muchas de las películas de Fellini, Bergman también infundió humor, pasión e incluso momentos de risa en muchas de sus propias obras.
De manera similar a Fellini, Bergman logró un avance a mediados de la década de 1950, después de varias películas anteriores sin éxito:
Ahora, dirigimos nuestra atención a las influencias duales en Woody Allen y numerosos otros cineastas en la segunda mitad del siglo XX, representando los polos contrastantes (sur y norte) del cine europeo de la posguerra: Federico Fellini e Ingmar Bergman.
Ambos individuos fueron esencialmente poderes cinematográficos, actuando como industrias cinematográficas unipersonales que produjeron una serie de clásicos atemporales. Estas obras no solo obtuvieron elogios de la crítica y éxito comercial, sino que también expandieron los límites de lo que era alcanzable en el mundo del cine.
Fellini surgió inicialmente del movimiento neorrealista italiano que siguió a la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, realmente se destacó durante la década de 1950 con «I Vitelloni» (1953), una película que ocupaba un lugar especial en el corazón de Stanley Kubrick y que influyó en gran medida en su decisión de seguir una carrera en el cine.
Otra creación fundamental de este período fue «La Strada» (1954), una película que retrata una de las historias de amor más no convencionales en los anales del cine, centrada en la relación entre un hombre fuerte de circo y una diminuta payasa femenina a la que maltrata.
Sin embargo, el viaje creativo de Fellini estaba lejos de terminar, ya que continuó capturando el mundo en evolución en Italia después de la devastación de la Segunda Guerra Mundial. En «Le notti di Cabiria» (1957), tocó una vez más los corazones de la audiencia con la historia de una prostituta que lucha por liberarse de su vida miserable. «La Dolce Vita» (1960) presentó al mundo a los Paparazzi y la cultura intrusiva de la prensa que trajeron consigo.
Finalmente, con «Otto e mezzo», Fellini creó posiblemente la mejor película jamás realizada sobre el arte del cine en sí.
Jean-Luc Godard, que sorprendentemente también se encuentra en esta lista, expresó famosamente que Bresson es al cine francés lo que Dostoievski es a la novela rusa y Mozart es a la música alemana.
Sin embargo, Bresson a menudo permanece en las sombras del cine francés, situado entre la brillantez de Renoir en la década de 1930 y el movimiento de la Nouvelle Vague liderado por Godard, Truffaut y otros en la década de 1960. No obstante, las películas de Bresson, una vez experimentadas, rara vez se olvidan.
En muchos aspectos, Bresson fue al cine lo que compositores como John Adams y La Monte Young fueron a la música: un maestro del minimalismo. Parecía que, después de la abrumadora extravagancia y casi cambio mundial de la Segunda Guerra Mundial, Bresson buscó eliminar todo lo superfluo para volver a la esencia de la narración en pantalla.
Logró esto brillantemente en varias obras maestras cinematográficas, incluyendo «Un condamné à mort s’est échappé» (1956), que narra el audaz intento de escape de un miembro de la Resistencia francesa de una prisión nazi; «Pickpocket» (1959), una película que encarnaba el espíritu de la Nouvelle Vague antes de que existiera el término; y «Au Hasard Balthazar» (1966), una notable película centrada en un burro cuyo maltrato por parte de sus dueños evoca más empatía que la mayoría de las películas centradas en personajes humanos.
Con todo el respeto debido a Fritz Lang, Max Ophüls e incluso al ídolo cinematográfico de Billy Wilder, Ernst Lubitsch, es Billy Wilder de Austria quien se erige como el único director nacido en el extranjero capaz de desafiar y tal vez superar al inglés Alfred Hitchcock como el más consumado cronista «externo» de América.
Aunque Wilder pudo haber producido menos obras maestras en comparación con Hitchcock y muchos otros directores mencionados en esta lista, sus cinco mejores películas pueden competir fácilmente con los mejores clásicos de cualquier otro director.
La carrera de Wilder como gran director se puede dividir en dos fases notables, separadas por aproximadamente una década. La primera fase se desarrolló durante la década de 1940 y principios de la década de 1950, durante la cual creó algunas de las mayores obras cinematográficas, como «Double Indemnity» (1945), a menudo considerada una de las mejores películas noir. Le siguió «Sunset Boulevard» (1950), una obra maestra que explora el corazón de Hollywood, y «Ace In The Hole» (1951), una profunda exploración del periodismo.
Sin embargo, fue la «doble función» de Wilder hacia fines de la década de 1950 la que cimentó su reputación como maestro del cine. «Some Like It Hot» (1959), aunque se produjo fuera de la década de 1930, sigue siendo la quintaesencia de la comedia screwball. Al mismo tiempo, «The Apartment» (1960) podría considerarse la mejor comedia dramática jamás creada.
Notablemente, ningún otro director ha creado dos obras maestras tan vastamente diferentes de manera consecutiva en un solo año.
Es bastante irónico que Alfred Hitchcock fuera universalmente referido como «Hitch», porque a principios del siglo XXI hay varios «problemas» asociados con cualquier admiración por Hitchcock. Estas preocupaciones abarcan desde el voyeurismo tanto en la pantalla como fuera de ella, su obsesión por sus actrices principales (lo que llevó a Grace Kelly, una de sus principales damas, a mudarse a Europa) e incluso las proyecciones traseras algo amateur de autos en movimiento que hacen que muchos espectadores del siglo XXI se estremezcan o incluso se rían.
No obstante, no hay duda de que Hitchcock se destaca como uno de los directores de cine más excepcionales en la historia del cine, abarcando diversas eras cinematográficas. Su avance llegó con el clásico silente «The Lodger» (1927), una toma notablemente malévola de la historia de Jack el Destripador. Luego pasó a crear clásicos de sonido temprano como «The 39 Steps» (1935) y «The Lady Vanishes» (1938), estableciendo efectivamente la plantilla para los thrillers y películas de acción subsiguientes.
Después de llamar la atención de Hollywood con «Rebecca» (1940), Hitchcock se convirtió en uno de los más grandes directores nacidos en el extranjero que trabajaron en Estados Unidos. Definió esencialmente el panorama del cine estadounidense de la década de 1950, con una serie de clásicos de suspense, desde «Rear Window» (1954) hasta «Vertigo» (1958) y «North by Northwest» (1959). Estas películas simbolizaron el miedo existencial que asió a la humanidad durante la década posterior a Hiroshima.
En «Psycho» (1960), Hitchcock se apartó notablemente del suspense y efectivamente pionero del género de terror.
Andrei Tarkovsky puede ser comparado con el James Joyce del mundo del cine, un artista que dirigió un número relativamente pequeño de películas, al igual que Joyce escribió un número limitado de libros. Sin embargo, al igual que Joyce, cada una de las creaciones cinematográficas de Tarkovsky surgió como una obra maestra en sí misma.
La ilustre filmografía de Tarkovsky, que consta de siete obras notables, comenzó con «Ivan’s Childhood» (1962), una obra maestra cinematográfica que exploraba los temas de la infancia y la guerra con una profundidad excepcional. Le siguieron «Andrei Rublev» (1966), una película biográfica sobre el pintor ruso del siglo XV del mismo nombre, y «Solaris» (1972), ampliamente considerada como la mejor película de ciencia ficción soviética jamás realizada.
Sin embargo, fue en sus tres películas siguientes que Tarkovsky consolidó su estatus como uno de los verdaderos luminarios del cine. «Mirror» (1975), «Stalker» (1979) y «Nostalghia» (1983) lo vieron esculpir su propio género distintivo.
No solo fue un pionero, sino que también perfeccionó un estilo cinematográfico increíblemente individual e idiosincrásico en el que las imágenes experimentaron un nivel de procesamiento e incluso distorsión que rivalizaba con cualquier cosa vista desde la era del cine mudo, cuando solo las imágenes, sin sonido, podían ser manipuladas.
Finalmente, «The Sacrifice» (1986) marcó una reinterpretación cinematográfica de la historia de Abraham, donde un hombre intenta negociar con Dios para evitar el Armagedón nuclear. Producida durante la apoteosis de la Primera Guerra Fría y mientras Tarkovsky mismo luchaba contra el cáncer, esta película se erige como la representación definitiva de tiempos apocalípticos, permaneciendo inquietantemente pertinente incluso en el siglo XXI.
Al igual que varios otros directores en esta lista, Yasujirō Ozu emprendió un extenso aprendizaje en el mundo del cine. Dirigió su primera película a la tierna edad de 24 años y continuó haciendo numerosas películas más durante un cuarto de siglo antes de descubrir finalmente su tema y estilo ideales. La espera, sin embargo, resultó ser profundamente gratificante, ya que las últimas obras maestras de Ozu, especialmente «Tokyo Story» (1953), que algunos argumentan que es la exploración cinematográfica más grande de la familia jamás creada, se encuentran entre las películas más profundamente conmovedoras y exquisitamente elaboradas de la historia.
En términos de trama, «Tokyo Story» bien podría ser la película realmente más simple jamás realizada. Gira en torno a una pareja japonesa de edad avanzada que visita a sus hijos en Tokio, incluida su nuera, ahora viuda. Sin embargo, al igual que «The Canterbury Tales» de Chaucer, esta narrativa basada en Tokio abarca toda la existencia humana. Retrata magistralmente los conflictos inevitables entre generaciones, todo capturado a través de actuaciones y cinematografía impecables.
Mientras que «Tokyo Story» se erige como la obra maestra indiscutible de Ozu, su reputación no se basa únicamente en esta película. Sus logros de fin de carrera también incluyen «Early Spring» (1956), una narrativa que sigue el intento de un oficinista descontento de rejuvenecer su vida estancada a través de un romance con una colega, y «An Autumn Afternoon» (1962), su última película, donde un hombre mayor se esfuerza por encontrar un marido adecuado para su hija antes de su propio fallecimiento.
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