Quem se qualifica como o maior diretores de todos os tempos é uma questão muito mais desafiadora de abordar do que se poderia inicialmente presumir. Foram aqueles que lançaram as primeiras bases do cinema com o seu trabalho pioneiro? Foram aqueles que fizeram os avanços mais notáveis na arte do cinema? Ou seriam aqueles diretores cujas contribuições são conhecimentos essenciais para todo cineasta e roteirista?
Da era dos filmes mudos ao cinema contemporâneo do século XXI, eles criaram muitas das obras-primas cinematográficas por excelência – os filmes que permanecem como o epítome do cinema.
Listados abaixo estão esses diretores excepcionais!
A elevação do estatuto de Jean Renoir no mundo de língua inglesa, particularmente durante a década de 1990, deve muito ao influente crítico de cinema britânico David Thomson. Thomson afirmou corajosamente que Renoir foi o maior diretor de cinema da história, uma declaração que aumentou significativamente o reconhecimento de Renoir. Embora Renoir gozasse há muito tempo de uma reputação elevada, especialmente na sua terra natal, França, Thomson desempenhou um papel fundamental ao apresentá-lo a uma geração mais jovem, que acabou por concordar com a sua avaliação deste maestro cinematográfico francês.
A filmografia de Renoir apresenta obras notáveis como:
No entanto, mesmo estas criações notáveis são insignificantes em comparação com o par de obras-primas cinematográficas que representam colectivamente o auge da realização de um único cineasta: “La Grande Illusion” (1937) e “La règle du jeu” (1939).
Em essência, estes dois filmes reflectem simultaneamente sobre a Primeira Guerra Mundial e antecipam a iminente Segunda Guerra Mundial, capturando o zeitgeist à beira de um conflito global.
O recente falecimento de Jean-Luc Godard serviu como um lembrete comovente do seu papel central e, na verdade, inovador no mundo do cinema, especialmente para os entusiastas do cinema do século XXI.
Martin Scorsese notoriamente referido a “À bout de souffle” (1960) como “o eixo da história do cinema“, representando simbolicamente o momento crucial em que o cinema fez a transição do cinema convencional do passado, ligado ao estúdio, para o cinema de rua consideravelmente mais rápido e audacioso que se seguiria.
“À bout de souffle” é um dos filmes de estreia mais notáveis da história do cinema, semelhante ao impacto revolucionário de “The Velvet Underground and Nico” no reino da música pop.
No entanto, muitos dos filmes que se seguiram foram igualmente inventivos e exclusivamente cinematográficos, estabelecendo firmemente a sua identidade como filmes, em vez de adaptações de peças de teatro ou livros:
A associação de Bergman com Fellini foi um tema recorrente, não apenas aos olhos de Woody Allen, mas também na avaliação de quase todos os estudiosos sérios do cinema do pós-guerra. Esta ligação surgiu precisamente porque, à primeira vista, pareciam tão diferentes: Fellini, o afetuoso e sensual cineasta italiano, apareceu em forte contraste com Bergman e os seus filmes, caracterizados pela sua análise austera e aparentemente insensível.
No entanto, assim como havia uma mente racional e analítica trabalhando em muitos dos filmes de Fellini, Bergman também infundiu humor, paixão e até momentos de riso em muitas de suas próprias obras!
De uma forma que lembra Fellini, Bergman alcançou um grande avanço em meados da década de 1950, após vários filmes anteriores sem sucesso:
Agora, voltamos a nossa atenção para as duplas influências sobre Woody Allen e numerosos outros cineastas na segunda metade do século XX, representando os pólos contrastantes (sul e norte) do cinema europeu do pós-guerra:Federico Fellini e Ingmar Bergman.
Ambos os indivíduos eram essencialmente potências cinematográficas, atuando como indústrias cinematográficas individuais que produziram uma série de clássicos atemporais. Estas obras não só ganharam elogios da crítica e sucesso comercial, mas também expandiram os limites do que era possível alcançar no mundo do cinema.
Fellini emergiu inicialmente do movimento neorrealista italiano que se seguiu à Segunda Guerra Mundial. No entanto, ele realmente se destacou durante a década de 1950 com “I Vitelloni” (1953), um filme que ocupou um lugar especial no coração de Stanley Kubrick e influenciou muito sua decisão de seguir a carreira de cineasta.
Outra criação marcante desse período foi “La Strada” (1954), filme que retratou uma das histórias de amor menos convencionais dos anais do cinema, girando em torno da relação entre um homem forte de circo e uma pequena palhaça que ele maltrata.
No entanto, a jornada criativa de Fellini estava longe de terminar, pois ele continuou a capturar o mundo em evolução na Itália após a devastação da Segunda Guerra Mundial. Em “Le notti di Cabiria” (1957), ele tocou mais uma vez o coração do público do cinema com a história de uma prostituta que luta para se libertar de sua vida miserável. “A doce vida” (1960) apresentou ao mundo os paparazzi e a cultura intrusiva da imprensa que eles trouxeram com eles.
Por último, com “Otto e mezzo”, Fellini elaborou sem dúvida o melhor filme já feito sobre a própria arte de fazer cinema.
Jean-Luc Godard, que sem surpresa também se encontra nesta lista, expressou a famosa expressão de que Bresson está para o cinema francês o que Dostoiévski está para o romance russo e Mozart está para a música alemã. No entanto, Bresson permanece frequentemente nas sombras do cinema francês, situado entre o brilhantismo de Renoir na década de 1930 e o movimento Nouvelle Vague (New Wave) liderado por Godard, Truffaut e outros na década de 1960. No entanto, os filmes de Bresson, uma vez experimentados, raramente, ou nunca, são esquecidos.
Em muitos aspectos, Bresson foi para o cinema o que compositores como John Adams e La Monte Young foram para a música: um mestre do minimalismo. Parecia que, após a extravagância avassaladora e quase transformadora do mundo da Segunda Guerra Mundial, Bresson pretendia eliminar tudo o que fosse supérfluo para retornar à essência da narrativa na tela.
Ele conseguiu isso de forma brilhante em diversas obras-primas cinematográficas, incluindo “Un condamné à mort s’est échappé” (1956), que narra a ousada tentativa de fuga de um membro da Resistência Francesa de uma prisão nazista; “Pickpocket” (1959), um filme que incorporou o espírito da Nouvelle Vague antes mesmo de o termo existir; e “Au Hasard Balthazar” (1966), um filme notável centrado em um burro cujos maus-tratos por parte de seus donos evocam mais empatia do que a maioria dos filmes focados em personagens humanos.
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Com todo o respeito a Fritz Lang, Max Ophüls e até mesmo ao ídolo cinematográfico de Billy Wilder, Ernst Lubitsch, é Billy Wilder, da Áustria, quem se destaca como o único diretor estrangeiro capaz de desafiar e talvez superar o sucesso da Inglaterra.Alfred Hitchcock como o cronista “externo” mais talentoso da América.
Embora Wilder possa ter produzido menos obras-primas em comparação com Hitchcock e vários outros diretores apresentados nesta lista, seus cinco melhores filmes podem facilmente competir com os melhores clássicos de qualquer outro diretor.
A carreira de Wilder como grande diretor pode ser dividido em duas fases notáveis, separadas por aproximadamente uma década. A primeira fase desdobrou-se durante a década de 1940 e início da década de 1950, durante a qual criou algumas das maiores obras cinematográficas, incluindo “Double Indemnity” (1945), muitas vezes considerado como um dos mais excepcionais filme sombrio. Ele seguiu com “Sunset Boulevard” (1950), uma obra-prima que mergulha no coração de Hollywood, e “Ace In The Hole” (1951), uma exploração profunda do noticiário.
No entanto, foi o “filme duplo” de Wilder no final da década de 1950 que consolidou sua reputação como maestro cinematográfico. “Some Like It Hot” (1959), embora produzido fora da década de 1930, continua sendo a comédia maluca por excelência. Simultaneamente, “The Apartment” (1960) pode ser considerado a melhor comédia dramática já criada.
Surpreendentemente, nenhum outro diretor jamais criou consecutivamente duas obras-primas tão diferentes em um único ano!
É bastante irônico que Alfred Hitchcock tenha sido universalmente chamado de “Hitch” porque, no início do século 21, existem vários “obstáculos” ou questões associadas a qualquer admiração por Hitchcock. Essas preocupações abrangem o voyeurismo dentro e fora da tela, sua fixação em suas atrizes principais (o que levou Grace Kelly, uma de suas protagonistas mais proeminentes, a se mudar para a Europa) e até mesmo as projeções traseiras um tanto amadoras de carros em movimento que tendem a fazer muitos espectadores do século 21 estremecerem ou até mesmo caírem na gargalhada.
No entanto, não resta dúvida de que Hitchcock se destaca como um dos diretores de cinema mais excepcionais da história do cinema, abrangendo várias épocas cinematográficas. Sua descoberta veio com o clássico mudo, “The Lodger” (1927), uma versão notavelmente malévola da história de Jack, o Estripador. Ele então criou os primeiros clássicos do som, como “The 39 Steps” (1935) e “The Lady Vanishes” (1938), estabelecendo efetivamente o modelo para thrillers e filmes de ação subsequentes.
Depois de atrair a atenção de Hollywood com “Rebecca” (1940), Hitchcock tornou-se um dos maiores diretores estrangeiros a trabalhar na América. Ele essencialmente definiu o cenário do cinema americano dos anos 1950, com uma série de clássicos de suspense, que vão de “Janela Indiscreta” (1954) a “Vertigem” (1958) e “North by Northwest” (1959). Esses filmes resumiram o medo existencial que tomou conta da humanidade durante a década seguinte a Hiroshima.
Em “Psicose” (1960), Hitchcock se afastou notavelmente do suspense e foi efetivamente o pioneiro no gênero de terror.
Semelhante à trajetória de Hollywood, Altman viveu dois períodos áureos distintos em sua carreira.
O primeiro durou quase uma década, abrangendo quase toda a década de 1970, quando ele elaborou uma trilogia que, embora parecesse extensa na superfície, foi meticulosamente planejada.
Esta trilogia consistia em “MAS*H” (1970), “McCabe and Mrs. Miller” (1971) e “Nashville” (1975). Mais uma vez, tal como Hollywood, a segunda era de ouro de Altman chegou no início da década de 1990 e foi notavelmente mais curta que a primeira.
Basicamente, girava em torno de “The Player” (1992) e “Short Cuts” (1993), duas obras-primas do final da carreira de Altman que serviram como um poderoso lembrete de seu distinto e brilhante talento cinematográfico.
Andrei Tarkovsky pode ser comparado ao James Joyce do mundo do cinema – um artista que dirigiu um número relativamente pequeno de filmes, assim como Joyce escreveu um número limitado de livros. No entanto, tal como Joyce, cada uma das criações cinematográficas de Tarkovsky emergiu como uma obra-prima por si só.
A ilustre filmografia de Tarkovsky, composta por sete obras notáveis, começou com “A Infância de Ivan” (1962), uma obra-prima cinematográfica que explorou os temas da infância e da guerra com uma profundidade excepcional. Isto foi seguido por “Andrei Rublev” (1966), um filme biográfico sobre o pintor russo de mesmo nome do século XV, e “Solaris” (1972), amplamente considerado o melhor filme de ficção científica soviético já feito.
No entanto, foi nos três filmes subsequentes que Tarkovsky solidificou o seu estatuto como um dos verdadeiros luminares do cinema. “Mirror” (1975), “Stalker” (1979) e “Nostalghia” (1983) o viram criar seu próprio gênero distinto.
Ele não apenas foi pioneiro, mas também aperfeiçoou um estilo de cinema incrivelmente individual e idiossincrático, no qual as imagens sofriam um nível de processamento e até mesmo distorção que rivalizava com qualquer coisa vista desde a Era do Silêncio, quando apenas imagens, desprovidas de som, podiam ser manipuladas.
Por último, “The Sacrifice” (1986) marcou uma reinterpretação cinematográfica da história de Abraão, onde um homem tenta negociar com Deus para evitar o Armagedom nuclear. Produzido durante o auge da Primeira Guerra Fria e enquanto o próprio Tarkovsky lutava contra o câncer, este filme permanece como o retrato definitivo de tempos apocalípticos, permanecendo assustadoramente pertinente mesmo no século XXI.
Semelhante a vários outros diretores desta lista, Yasujirō Ozu embarcou em um longo aprendizado no mundo do cinema. Ele dirigiu seu filme inaugural com a tenra idade de 24 anos e continuou fazendo vários outros filmes ao longo de um quarto de século antes de finalmente descobrir seu tema e estilo ideais. A espera, no entanto, provou ser profundamente gratificante, como as últimas obras-primas de Ozu, particularmente “História de Tóquio” (1953), que alguns argumentam ser a maior exploração cinematográfica da família já criada, está entre os filmes mais profundamente comoventes e primorosamente elaborados da história.
Em termos de enredo, “Tokyo Story” pode muito bem ser o filme mais simples e verdadeiramente excelente já feito. A história gira em torno de um casal de idosos japoneses visitando seus filhos em Tóquio, incluindo sua nora, agora viúva. No entanto, semelhante aos “Contos de Canterbury” de Chaucer, esta narrativa baseada em Tóquio abrange a totalidade da existência humana. Retrata com maestria os inevitáveis conflitos entre gerações, todos capturados por meio de performances e cinematografia impecáveis.
Enquanto “História de Tóquio”fica como obra-prima inequívoca de Ozu, sua reputação não depende apenas deste filme. Suas conquistas no final de sua carreira também incluem “Early Spring” (1956), uma narrativa que segue a tentativa de um funcionário de escritório descontente de rejuvenescer sua vida estagnada por meio de um caso com um colega de trabalho, e “An Autumn Afternoon” (1962), seu último filme. , onde um homem idoso se esforça para encontrar um marido adequado para sua filha antes de seu falecimento.
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