A medida que disminuye la importancia cultural del rock’n’roll, el género en su conjunto se está convirtiendo rápidamente en música clásica, una antigüedad, por así decirlo. Sin embargo, cuando mencionamos el «rock clásico» en la actualidad, evocamos imágenes específicas: hippies vestidos con corbatas, guitarras Fender Stratocaster, pañuelos, barbas y aviadores. Se refiere a la música que disfrutaban tus padres y a la que probablemente te resististe durante una buena parte de tu juventud, para acabar reconociendo su genialidad.
Sin embargo, no todo el rock clásico es igual. El mero hecho de ser de los años 60 o 70 y recibir difusión no garantiza que una canción perdure como eterna favorita. En este sentido, hemos cribado la extensa colección de antigüedades del rock para confeccionar una lista de los mejores temas de rock clásico, aquellos que los jóvenes aspirantes a guitarristas se esforzarán por aprender mientras sigan existiendo las guitarras.
Un tema icónico del rock clásico que destaca es «Purple Haze» de Jimi Hendrix. Esta canción contiene un riff que ha alcanzado el estatus de leyenda. Como siempre, Hendrix actuaba a otro nivel, combinando sin esfuerzo elementos de rock psicodélico y blues crudo y apasionado.
Su actuación desprendía tal carisma que daba la sensación de que podía tomarse un momento para ascender a los cielos o realizar cualquier hazaña extraordinaria a voluntad. «Purple Haze» muestra el talento inigualable y la visión musical única de Hendrix.
«Whole Lotta Love» de Led Zeppelin es otra obra maestra del rock clásico. Led Zeppelin alcanzó un estatus legendario y remodeló el panorama musical a lo largo de la década de 1970, definiendo el término «épico» en la música rock. Sus explosivas composiciones, sus influencias blues-rock, sus temas líricos fantásticos inspirados en J.R.R. Tolkien y sus poderosas interpretaciones les hicieron destacar. «Whole Lotta Love», incluida en su segundo álbum, consolidó a Led Zeppelin como la próxima gran fuerza de la música rock y sirvió de audaz declaración para los futuros proyectos de la banda.
La canción muestra el sonido característico de la banda, desde los enérgicos riffs de guitarra de Jimmy Page hasta la estruendosa batería de John Bonham y las agudas voces de Robert Plant. Led Zeppelin destila confianza y arrogancia en todo el tema. Lleva a los oyentes a un viaje frenético y estimulante, que sólo se ralentiza brevemente a la mitad para ofrecer un respiro momentáneo.
Esta pausa permite a los oyentes recuperar el aliento antes de que la canción se lance de nuevo a su electrizante energía. «Whole Lotta Love» es un excelente ejemplo de la destreza musical de Led Zeppelin y de su capacidad para cautivar al público con sus dinámicas y poderosas interpretaciones.
La siguiente en la lista es «Sympathy for the Devil» de The Rolling Stones. Elegir sólo una canción de los Stones ha sido una ardua tarea, ya que su catálogo rebosa de clásicos.
Sin embargo, «Sympathy for the Devil» encierra a los Stones en todo su esplendor. La inesperada inclusión de la batería de mano del difunto Charlie Watts, el solo de guitarra perfectamente imperfecto de Keith Richards y los feroces aullidos de Mick Jagger, que se transforman en un provocador encanto, contribuyen a la esencia de la canción.
Mientras que «Satisfaction» puede ser más icónica y «Start Me Up» más contagiosa, «Sympathy for the Devil» ve a los Stones amalgamar todos sus elementos musicales a la perfección, mostrando su maestría.
«Under Pressure» reúne a dos de los mayores iconos del rock, Freddie Mercury y David Bowie, que con sus conmovedoras y poderosas voces hablan de la inmensa presión de la vida moderna.
La canción surgió de una improvisada jam session en la que participaron Bowie, Mercury y los miembros de Queen Brian May, Roger Taylor y John Deacon, dando como resultado una contagiosa soltura que no puede reproducirse. Incluso hoy en día, «Under Pressure» sigue siendo una composición musical singular e incomparable, que no se parece a nada.
El enorme riff de esta canción, posiblemente ideado por el guitarrista Pete Townshend para su característica técnica de rasgueo de molinete, crea un impacto inolvidable. Cuando la guitarra irrumpe tras el comienzo mecánico y sintetizado, se convierte en uno de los momentos más emocionantes de la historia del rock.
Esta épica canción, incluida en el monumental álbum de 1979 «The Wall», resume la esencia de Pink Floyd.
Con sus arremolinados órganos psicodélicos y una inquietante narración de la locura inducida por las drogas, la canción lleva al oyente en un viaje a través de múltiples solos de David Gilmour, todo en busca de alguna forma de redención en medio de la bruma. «Comfortably Numb» proporciona un momento de tranquilidad en medio de la implacable tormenta del histórico doble álbum de Floyd.
Seguimos con «I Love Rock ‘n’ Roll» de Joan Jett & the Blackhearts. Joan Jett, un icono del rock que ha influido en artistas como Miley Cyrus y el movimiento Riot grrrl de los 90, obtuvo un amplio reconocimiento con esta versión crujiente y contagiosa de una canción relativamente oscura de los años 70 del grupo británico The Arrows. El tema ocupó el primer puesto del Billboard Hot 100 durante siete semanas en 1982, consolidando el amor de Joan Jett por el rock and roll y demostrando que el rock and roll le correspondía.
Y ahora, hablemos de «Funk #49» de James Gang. En este himno arenoso y crujiente, Joe Walsh muestra su maestría con los ganchos de guitarra, empezando con el icónico lick de introducción y pronunciando la letra «I sleep all day, out all night» (Duermo todo el día, salgo toda la noche). La canción mantiene su energía de principio a fin, ejemplificando la fuerza bruta del rock and roll. No es de extrañar que Walsh pareciera algo aburrido mientras tocaba partes de guitarra más apagadas con los Eagles.
Este himno icónico encarna a la perfección el espíritu festivo. Combina elementos del rock ‘n’ roll vestido de cuero, la nostalgia de las máquinas de discos que funcionan con monedas y un toque de peleas de bar, todo ello rematado con contagiosas melodías de guitarra. Es el tipo de canción que va de la mano con el reencuentro con viejos amigos que no has visto desde tus días de adolescencia, creando una atmósfera instantánea de camaradería y celebración.
Con las letras de Ozzy Osbourne, en su mayoría sin sentido, sobre un robot vengador que viaja en el tiempo, la canción despega con propósito cuando Osbourne las pronuncia apasionadamente sobre la pista original de sludge metal. El aporreante bombo y los destructivos riffs crean una experiencia sónica diseñada para mantener las cabezas golpeando y los cuernos del diablo bombeando. «Iron Man» es un clásico atemporal que cumple su cometido, encendiendo la energía y el entusiasmo de los fans del rock con su innegable potencia.
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